ドラム演奏でテンポの「揺らぎ」が持つ音楽的意義は何か。リタルダンドとアッチェレランドの使い方

2025-08-092026-11-13

アッチェレランド（だんだん速く）とリタルダンド（だんだん遅く）というテンポの揺らぎは、曲の展開を聴き手に伝える表現の手段です。一定のテンポは、その揺らぎを使うための土台になります。

しかし、メトロノームに合わせて一定に叩くことが、よい演奏の条件ではないのでしょうか。

この記事では、ドラム演奏でのテンポについて、一定のテンポが重んじられてきた背景、2つの手法の使い方、3つの練習を順に説明します。

テンポが一定であるべきだと考えられてきた背景

マルチトラック録音では、各パートをクリックに合わせて別々に重ねます。DAWでは、クリックに合わせて録った各パートを動かしたり、拍に揃えたりする編集が簡単になります。

合奏では、全員が同じテンポ感を持てば、演奏を揃えやすくなります。経験の浅い人が集まる場では、特に役に立つと思います。

評価の基準の面では、テンポの正確さは「上手い／下手」を判断しやすい指標です。そのため「正確であること＝善」という見方が生まれやすく、社会の規範を守る感覚を音楽にも持ち込んでいるのだと思います。

アッチェレランドは「だんだん速く」、リタルダンドは「だんだん遅く」とテンポを意図して動かす手法で、前へ進む感じや落ち着きを出すために使われるという説明があります。

アッチェレランド（accelerando）は「だんだん速く」を意味する音楽用語です。静かなセクションからクライマックスへ向かう部分でテンポを少しずつ上げると、高揚感が出るとされます。

例えば、BPM（1分あたりの拍数）を110から112へ徐々に上げます。上げ幅は約2%で、聴き手が速くなったと意識しないまま前へ進む感じを受けることがある、という説明があります。この効果は、この大きさの例では確かめられていません。

アッチェレランドは、焦りや期待、興奮といった感情を、リズムの変化で表す手法とされます。

リタルダンド（ritardando）は「だんだん遅く」を意味します。テンポを少しずつ落とすと、落ち着きや終わりの感じが出て、余韻が残るという説明があります。

リタルダンドの分かりやすい例は、曲のエンディングです。リズムが一定に刻まれる曲では、終わりに向けて演奏者がテンポを落とすのが一般的です。ダンサー4人が走って止まるときの速度の変化は、終わりのリタルダンドの平均的なテンポ曲線によく似ていました（1999年のFribergとSundbergの研究）。

曲の終わりの数小節前から落とす、といった具体的な長さは、確かめられていません。

特定のフレーズを強調したいときは、その直前でリタルダンドを使います。テンポを落として生まれる時間的な「間」が、次の音の価値を高めると思います。

聴いて分析する、仲間と意図を共有する、クリックから離れて戻る、の3つを順に試します。

意図的なテンポ変化が効果的に使われている曲を、構造に着目して聴きます。ロックやポップスのほか、指揮者の解釈でテンポが大きく変わるクラシック音楽が参考になります。映画音楽では、場面に合わせて速さが変わる曲を探してみてください。

聴くときは、歌や呼吸のリズムにも注意を向けます。感情が動くと、息遣いや話す速さが変わることがあります。音楽の揺らぎも、体のリズムの延長として聴くと、つかみやすくなります。

アッチェレランドとリタルダンドは、アンサンブル全体で意図を共有して行うのが理想です。

ボーカルのブレス、ギタリストのピッキングの強弱、ベーシストのフレーズの抑揚から、音楽がどこへ向かうかを感じ取ります。リハーサルでは「このセクションは少しずつ熱量を上げていこう」「アウトロは合図で徐々に落ち着いていこう」と言葉にして、メンバーのイメージをそろえます。

メトロノームは、自分のテンポを確かめる目安として使います。基礎練習では、クリックは正確なテンポ感を養うガイドになります。

そのうえで、8小節はクリックに合わせて叩き、次の8小節はクリックを聴かずに揺らぎを加え、再びクリックに戻ります。

クリックなしで叩いた演奏を録音して聴き返すと、自分の体内時計が持つ揺らぎの癖が分かります。これが、意図して揺らす練習の出発点です。

一定のテンポで叩く力は基礎として大切で、揺らぎはその上に載せる表現です。意図してテンポを動かす技術は、曲の展開に合わせて加速や減速を行う表現の手段になります。

テンポを守るべきルールと見るのか、表現のために使うツールと見るのか。この見方の違いで、演奏の自由度は変わります。

次の演奏の曲のどこか一か所で、意図してだんだん速くするか遅くしてみてはいかがでしょうか。